REINTERPRETACIONES DE MIS COMPAÑEROS

En entradas anteriores os he hablado sobre la reinterpretación de obras que hicieron mis compañeros. En esta también lo voy a hacer. Los autores y obras que han tratado en esta reinterpretación son las siguientes:

HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) Y JASPER JOHNS.

Hieronymus Bosch (1450-1516) conocido en España como "El Bosco", fue un pintor de los Países Bajos que se sitúa en la tradición de la pintura flamenca. Este autor no firmó ni fechó ninguno de sus cuadros. De su actividad artística solamente están documentado los encargos de Felipe el Hermoso. Pelipe II fue el primero en coleccionar sus obras, consiguiendo reunir una gran cantidad de ellas.

El tema principal de sus obras es la sátira sobre la doctrina tradicional de la Iglesia Católica. Alude frecuentemente  a pecados, transitoriedad de la vida y la locura del hombre.

La obra elegida por mi compañera es "la nave de los locos", aunque no es obra muy conocida de este autor es una maravilla:

"la nave de los locos". Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/La_nave_de_los_locos

Jasper Johns (nace en 1930) es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense. Su producción artística circula entre el expresionismo abstracto, el minimalisto y el Pop Art. Además, es considerado junto con Robert Rauschemberg, promotor del Neodadaísmo: movimiento que surge a finales de los 50 y principio de los 60 como reacción al arte abstracto. Estos hallan los caminos hacia el Pop Art. Hacen un arte diferente y despersonalizado. Con frecuencia creaba series de cuadros. La seleccionada por mi compañera se titula "Summer" y pertenece a la sección de "The seasons": 

"Summer". Imagen recuperada de: https://www.moma.org/collection/works/79864

JEAN-ANTOINE WATTEAU Y JUAN GRIS

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) fue un pintor francés. Se le considera el auténtico iniciador del rococó en la pintura: movimiento que consiste en la representación de fiestas, historias pastoriles, aventuras amorosas y cortesanas. Predominan los colores claros y suaves. Su estilo trata la luz y el color con una naturaleza y un lirismo hasta entonces desconocido. Sus temas preferidos son las escenas galantes. La obra elegida por mi compañera fue "Lección de amor": 

"Lección de amor". Imagen recuperada de: https://pinturasdiversas-demeza.blogspot.com/2016/10/leccion-de-amor-antoine-watteau.html

Juan Gris (1887-1927) fue un pintor e ilustrador español que desarrolló su actividad principalmente en París. Está considerado como uno de los padres del cubismo: tendencia que rompe con la pintura tradicional y que di pie a las vanguardias. Consiste en hacer desaparecer la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Adoptan la llamada "perspectiva múltiple". Tuvo mucha influencia de Picasso, artista que pudo conocer en París. La obra seleccionada por mi compañera es "La maceta de geranios":

"La maceta de geranios". Imagen recuperada de: https://laestirgaburlona.com/2014/07/08/juan-gris-el-mejor-cubismo/

REMBRANDT VAN RUN Y ROBERT SMITHSON

Rembrandt Van Run (1606-1669) fue un pintor y grabar neerlandés. Es uno de los grandes artistas del barroco de la pintura y el grabado. Es el pintor más importante de los Países Bajos, coincidiendo su época de éxito con la edad de oro del país. Entre los temas de sus obras destacan el retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Esta última sería la que le haría realmente conocido. Su pintura evoluciona desde la suavidad de sus inicios hasta un tratamiento "más áspero" posterior". La obra seleccionada por mi compañero fue "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp":

"Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp". Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Lecci%C3%B3n_de_anatom%C3%ADa_del_Dr._Nicolaes_Tulp

Robert Smithson (19238-1973) fue un artista relacionado con el movimiento Land ARt. Se inclina por la pintura abstracta hasta 1962, pasándose después a la escultura. Sus esculturas no tienen niguna función utilitaria, son simples obras efímeras. La mayoría de sus esculturas son gigantescas, construidas con máquinas industriales. Su obra más conocida es Spiral Jetty, pero la elegida por mi compañero es la siguiente: 

Sin nombre. Imagen recuperada de: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/untitled-sin-titulo-7

"CAMILLE COROT EN EL FUTURO"

¡ESTA VEZ OS TRAIGO ALGO TOTALMENTE DIFERENTE!

Nos os asustéis por el título, Corot nunca estuvo en el futuro😂. Es solamente el título de mi cuento.

La última tarea que nos ha mandado nuestro profesor ha sido inventarnos un cuento para luego en clase, hacer la portada y más adelante ilustrarlo en un cómic.

La verdad, es algo que nunca he hecho y me parece muy interesante (si que me he inventado pequeños cuentos en el colegio y he dibujado cómics, pero nunca en plan serio).

En esta entrada solamente os presento el cuento (recordad que está diseñado para niños de primaria) para que lo conozcáis. Más adelante os colgaré el resultado de la portada y del cómic.

Esta vez las reglas era que algo relacionado con nuestros autores debe estar presente en el cuento. Mi autor seleccionado es Camille Corot y he decidió que él sea el protagonista de mi cuento. Además, lo he ambientado en uno de los lugares que él reflejó en uno de sus cuadros más famosos: El estanque de Ville d’Avray.

Allá va el cuento, espero que os guste:

En un lugar de Francia había un pequeño pueblo llamado Ville d’Avray. En este lugar de nombre tan raro, hace muchos años vivía un niño que tenía por nombre Camille y por apellido Corot. Vivía en aquel lugar con su madre y su padre.

Este niño de nombre también un poco extraño, era un amante de la pintura. Desde muy pequeño empezó a pintar en su casa de aquel pequeño pueblo.

Una de las cosas que más le gustaba a Camille era ir a un enorme estanque que se encontraba cerca de su pueblo. Allí observaba la belleza de los árboles, plantas, animales y las aguas cristalinas del estanque. Era un lugar lleno de vida: los árboles verdes, la hierva verde, los animales pastando a su alrededor…

Pero… claro, esto sólo ocurría en primavera. Ya sabéis que es la estación en la que florecen los árboles y el paisaje se vuelve más colorido.

¿Qué hacía entonces Camille durante el resto de las estaciones? Una parte de su tiempo se dedicaba a pintar en el taller que había creado en su casa. El resto del tiempo se aburría muchísimo y no sabía qué hacer.

Tan aburrido estaba un día que empezó a pensar cómo sería el mundo en el futuro, una vez que hubieran pasado muchísimos años. Así pues, cogió un lápiz y se puso a diseñar una máquina del tiempo para poder viajar al futuro y ver cómo estaría todo aquello que le rodeaba.

Un día de invierno, acabó el dibujo de la máquina y se puso manos a la obra. En un par de semana la había acabado de construir y fijó un día para hacer su viaje. El día elegido sería el 20 de marzo, día en el que ya empieza la primavera. Así podría ver cómo estaría aquel precioso paisaje en la primera del futuro.

Impaciente por que llegara aquel día, Camille empezó a preparar su mochila del viaje: metió comida, ropa, una cámara para fotografiar lo que se encontrara y todo aquello que pensaba que iba a necesitar.

El 20 de marzo llegó, Camille se subió a la máquina y emprendió el viaje. Viajó hasta el año 2050.

Tras un par de horas de viaje, porque son muchos años los que ha viajado, la máquina se paró. Camille con cuidado y un poco asustado se bajó de ella.

Cuando se bajó empezó a sentir algo extraño.

-         - ¡Puf! ¡Qué calor! Dijo Camille. Notaba que hacía bastante más calor que antes de subirse a la máquina. Y eso que era el mismo día y estaba en la misma estación.

Comenzó a caminar y todo lo que se encontraba le resultaba muy desconocido: el gran estaque que había antes se había convertido en un pequeño charco en el que no había ni ranas, los grandes árboles verdes habían desaparecido: ¡No quedaba ninguno!, la hierva verde ya no estaba tan verde: era de color amarillento. Lo que más le sorprendió fue que al mirar hacia atrás… ¡UN EDIFICIO! Pero… ¿Qué hace esto aquí? Se preguntó Camille.

Continuó caminando hacia el edificio y cuando se quiso dar cuenta estaba en el medio de una gran ciudad. Algo más le resultaba extraño, pero no conseguía adivinar el que.

-          -¡Ah sí! Gritó. ¿Dónde está el cielo azul? Camille se dio cuenta que el cielo había tomado un color grisáceo que no era común de la primavera, pues el cielo suele estar muy azul. Además, tampoco tenía pinta de que fuera a llover.

Camille, preocupado por lo que estaba viendo decidió preguntar a una niña más o menos cómo él de edad que pasaba por su lado.

•        Hola, ¿te puedo preguntar una cosa? – Le preguntó Camille.
•        Claro. Respondió la niña.
•       ¿Qué ha pasado con todo el campo que había aquí, el cielo azul y el estanque?
•        La niña le miró un poco raro. “No se de que me hablas, siempre ha estado así”. Le contestó.

Tras esta breve conversación, Camille se entristeció. ¿Cómo es posible que no puedan conocer el precioso paisaje que había allí y que les guste esta triste ciudad? Se preguntaba.

Tras pensar un largo rato sobre esto, decidió que tenía que investigar qué hacía sucedido con todo lo que él conocía de ese lugar. Puso rumbo a buscar una biblioteca para ver si tenían libros antiguos que trataran de este cambio que había sufrido el lugar.

Cuando encontró la biblioteca se sorprendió al entrar: ¿dónde están los libros? No los veía. Sólo había unos aparatos encima de las mesas un poco raros a los que la gente llamaba ordenadores.

Preguntó a la bibliotecaria y le llevó hasta una sala dónde tenían los libros antiguos almacenados. Un gran espacio estaba dedicado a un fenómeno que se llamaba “Cambio Climático”.

Camille, al ver que era el espacio que más libros tenía decidió ir hacia allí y comenzar a leer algunos libros. Tenía poco tiempo porque antes de que acabara el día tenía que estar de vuelta a casa.

Comenzó a leer cosas como: “la temperatura del mundo aumentará 2 grados si no hacemos nada”, “el gran problema de no reciclar”, “tala abusiva de árboles que acaba con ecosistemas”. En un pequeño libro encontró una especie de resumen dónde explicaba todo lo que había pasado: llegó un momento en la historia que había un gran problema: la contaminación. Materiales y gases muy contaminantes se emitían al exterior sin tener en cuenta los grandes perjuicios que tenía para el medio ambiente. El consumo masivo de madera y otros recursos medioambientales están destruyendo ecosistema y acabando con gran cantidad de especies.

•     ¡La hora! Gritó Camille. Tenía el tiempo justo para llegar antes de que terminara el día. Cerró el libro y se marchó.

      Por el camino, pensaba sobre lo que había leído y visto. ¿Cómo es posible que no hayan hecho nada por no llegar hasta este punto? ¿Habrá alguna forma de poder cambiar este futuro? Se preguntaba Camille.

Por fin llegó a Ville D’Avray. Allí les estaban esperando sus padres que no sabían nada del viaje. Camille le contó todo lo que había hecho, visto y leído.  Le enseñó fotografías que había tomado allí. Todos quedaron horrorizados.

Qué fácil sería si todos fuéramos conscientes de lo que pasará en el futuro. -Decían. Es importante que se sepan están cosas para educar a la gente a tener una actitud responsable con el medio ambiente. 

A partir de ese día, Camille y su familia comenzaron a valorar mucho más el lugar dónde vivían y se consideraban muy afortunados de poder tenerlo en esas condiciones. Además, aprendieron que hay que cuidarlo más y empezaron a dejar de hacer ciertas cosas: tirar líquidos al estanque, dejar restos de comida por allí, talar los árboles, a veces, sin necesidad de ello, y un montón de cosas más.

Camille se encontraba feliz de lo que estaban haciendo y comenzó a contárselo a sus vecinos y amigos. Todos se pusieron manos a la obra para tener un futuro mejor.

Y colorín colorado, este cuento, se ha acabado.

MAPA MENTAL: UNA ESTRATEGIA VISUAL QUE TE SERÁ DE GRAN AYUDA

Seguro que más de una vez has oído hablar acerca de los beneficios que supone hacer esquemas o mapas conceptuales o mentales de aquello que quieres aprender y memorizar.

Pero… ¿Por qué son tan útiles? Lo que debes saber es que estamos rodeados de imágenes: el 60% de las personas son lo que se denomina “gente visual” y el 81% de la información que recibimos es visual. Otra cosa que debes Hacer es que la retentiva de información aumenta hasta un 90% cuándo se trata de información visual.

El mapa mental no es más que una estrategia visual, al igual que una línea del tiempo, un cómic, un guion gráfico, la narrativa visual etc.

Más concretamente el mapa mental es un método formativo muy eficaz para extraer, comprender y memorizar información. Es un diagrama utilizado para representar contenidos, ideas, tareas y otros conceptos relacionados, dispuestos radialmente alrededor de una palabra clave o de una idea central. Esta técnica se viene utilizando desde el inicio de los tiempo: la escritura jeroglífica de los Egipcios utilizaban dibujos para representar palabras.

¿POR QUÉ SON TAN ÚTILES PARA EL ESTUDIO?

Una vez que sabéis qué es un mapa mental y por qué es tan útil os cuento el por qué de tratar este tema. Nuestro profesor nos propuso coge un autor de los que teníamos asignados y realizar un mapa mental acerca de él y su carrera como artista. En mi caso el artista es Camille Corot. Las reglas eran:

•         El tamaño (más o menos A3).
•         El fondo del mapa mental tenía que estar relacionado con el autor.
•         Hacer una narrativa visual de cómo lo hemos ido construyendo.

La narrativa visual y el mapa mental final es el siguiente:

En primer lugar, pinté el fondo del papel. El motivo elegido es un paisaje. Corot es uno de los grandes paisajistas impresionistas y consideré que ese aspecto debería estar incluido:

Después, diseñé en un folio en blanco el esquema de lo que quería plasmar encima de este fondo. Hice varios intentos:

A continuación, imprimí aquellas imágenes que necesitaba para formar el mapa mental y me puse manos a la obra. Antes de ponerme a pegar y a escribir encima lo que iba a ser definitivo, puse de manera superficial los diferentes elementos para ver cómo quedaba:

Y el resultado final es:

¡ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO!

RETRATOS AL ESTILO ANDY WARHOL

Seguramente al leer el título algunos sabréis ya a qué me refiero, pero otros muchos no. A continuación, os dejo una imagen a ver si os suena un poco más:

Marilyn Monroe. Imagen recuperada de:  https://www.redbubble.com/es/people/pcmpoliticalfb/works/29420744-marilyn-monroe-pcm-andy-warhol-pop-art-parody?p=photographic-print

Estoy segura de que todos conocéis o habéis visto este cuadro alguna vez. Bien, lo que quizás no sabéis es quién es su autor. Efectivamente, el autor es Andy Warhol (1928-1987). Fue un artista estadounidense que llegó a ser el máximo representante del movimiento Pop Art (basado en representar objetos, imágenes, figuras etc, de la vida cotidiana). Algunos de sus rasgos más característicos fueron el uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos. Por esta razón quizás fue tan frecuente la imagen de Marilyn Monroe. Otros expertos señalas su obsesión por ella.

En cuánto a técnicas utilizadas destaca especialmente la serigrafía (el cuadro anterior está pintada con esta técnica). Es una técnica de impresión en el método de reproducción de imágenes (y documentos) sobre cualquier material y que consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco.  En las áreas donde no habrá imágenes se bloquea el paso de la tinta mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta. A continuación, os dejo un enlace dónde se puede ver un vídeo de cómo lo hacía él mismo: https://youtu.be/CzrPmfaYcMM

Actualmente, y gracias a las nuevas tecnologías, existe una manera muy sencilla de hacer algo parecido: a través del Photoshop. Digo que es algo parecido, porque hay que ir creando capas en las que tienes que seleccionar aquellas partes que quieres colorear. Al igual que Warhol bloqueaba aquellas partes por las que no quería que pasara tinta para que no quedaran pintadas.

El profesor nos propuso crear un cuadro al estilo Andy Warhol con el uso del Photoshop de un retrato nuestro, y de una obra de nuestros dos autores asignados.

Aquí os dejo el resultado (la primera imagen es la auténtica y la segunda al estilo Warhol):

Retrato personal. Elaboración propia.

Retrato al estiloWarhol. Elaboración propia.

Dora Maar visitada (Antonio Saura). Imagen recuperada de: http://www.galerias-arte.com/obras-de-arte/grabados/dora-maar-visitada

Doraa Maar al estilo Warhol. Elaboración propia.

Mujer con una perla (Camille Corot). Imagen recuperada de: https://www.pinterest.com/pin/454511787376418619/

Mujer con una perla al estilo Warhol, Elaboración propia.

MI REINTERPRETACIÓN DE SAURA

En la anterior entrada os hablé de las obras que habían reinterpretado mis compañeros. Pero... ¿y yo no hice ninguna? La respuesta es sí, y aquí os la vengo a presentar.

En mi caso no fusioné dos obras, sólo elegí una. Mi elección fue Crucifixión del artista Antonio Saura.

Para poneros en situación os hablaré un poco del autor. Antonio Saura (1930-1998) fue un artista español de referencia internacional en el ámbito del expresionismo abstracto. Quedó estética y emocionalmente impresionado por la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Padeció una enfermedad durante su adolescencia que le hace estar postrado en una cama 5 años. Parece ser que este tiempo en cama le ayudó a conectar con su mundo interior e hizo que surgiera la necesidad de expresar. A los 20 años realiza su primera exposición en una pequeña librería de Zaragoza y al año siguiente viaja a París, donde participa con el grupo surrealista. Aprovecha este viaje para aprender de las corrientes y los nuevos conocimientos que no llegaban a España. En 1957 funda el grupo El paso, un grupo de artistas de Madrid que se convierten en referencia de la vanguardia española de la postguerra. Una de sus características es que, a pesa de que en sus cuadros podemos interpretar que aparecen rostros, ojos, bocas, caras etc, el autor insiste que sus obras no son caricaturas. Es decir, que no es una deformación de la realidad. Él mismo considera a sus obras "monstruos pintados". Toma todas las imágenes de lo que él considera sus fantasmas personales, es decir, los temas que obsesionan al autor. 

La obra que elegí es la de "Crucifixión". A continuación os dejo una imagen:

Crucifixión. Imagen recuperada de: http://www.elarteporelarte.es/clases-cultura-visual/expresionismo-abstracto-caso-
espanol-antonio-saura-tapies/

Esta obra actualmente se encuentra en el Museo Guggenheim de Bilbao. Es una de sus obras más importantes e impresionantes. Consiste en una serie de garabatos frenéticos para hacer una interpretación de la obra Crucifixión de Velázquez, dándole un tratamiento moderno y abrirlo al debate público. Esta crucifixión se convierte en una tragedia de la condición humana. Saura afirmó que no había ningún tema religioso detrás de la obra, simplemente era una respuesta artística y política del mundo del momento en el que pinta este cuadro. Le da un aire de protesta y el propio autor lo denomina como "varón de dolores" en una figura clásica. 

En cuanto a la técnica esta obra es un óleo sobre lienzo. Sus medidas son 148.5x171x4 cm. 

Una vez que habéis leído un poco del autor y la obra, os presento mi interpretación:

  

Os explico en lo que me inspiré. Consideré que la parte central del cuadro era la imagen de una crucifixión, por lo que quise mantener una cruz. Decidí decorarla de negro para que recordase a los colores del cuadro original. 

En cuanto a la figura que se aprecia sobre la cruz, recorté de la obra original lo que para mi era un rostro porque considero que era lo que más llamaba la atención. Al igual hice con el brazo izquierdo y la pierna derecho. Para mi, eran las zonas que primero veías. El otro brazo y pierna quise hacerlo de una manera más abstracta y como si fuera un bloque entero.

En cuanto al fondo he querido icorporar colores para ser una especie de opuesto al original. Para ello también utilicé figuras geométricas de rectángulos. Saura se caracteriza por no utilizar formas, pinta como a pincelazos y yo quise representar lo contrario.

Por último, incorporé el color rojo porque una crucifixión me recuerda a dolor y sangre. Lo puse al rededor de la cruz para darle mayor protagonismo a la cruz que para mí es el centro de la obra.

REINTERPRETACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE

¡HOLA DE NUEVO!

Hoy os vengo a presentar algo nuevo. 

En una de nuestras clases prácticas de Educación Artística, el profesor nos propuso algo. Como os dije, al principio de curso nos asignó a cada alumno dos autores. Lo que nos planteaba es elegir una obra de cada autor y reiterpretarlas, hacerlas a nuestra manera. La única regla es que no podía ser una copia de los originales. 

Esto es todo un reto. El primer contacto con el papel es difícil. No sabes por dónde empezar. Por eso, es bueno realizar unos cuantos bocetos previamente. Una vez que los tienes sólo tienes que elegir uno y hacerlo en un tamaño más grande. 

Me parece una excelente tarea para que aflore nuestra imaginación y sentimientos. Sobre todo, aquellos sentimientos que nos transmite las obras que hemos elegido.

Esto todavía se complicaba un poco... Nos propuso también hacer una mezcla de las dos obras elegidas. Es decir, plasmar en una obra tuya, aspecto de las dos de tus autores. De nuevo, no hay ninguna regla a la hora de hacer. Simplemente, no puede ser una copia. 

Mis compañeros hicieron un trabajo fantástico juntando dos obras de sus respectivos autores. A continuación os hablo de las obras que eligieron y de sus autores, de forma breve. Una pena que no os pueda colgar sus versiones. Son fantásticas. 

CIMABUE Y BRIDGET RILEY

Cimabue (1240-1302)  fue un pintor y creador de mosaicos florentino. Se le considera el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Fue un artista notable en su época debido a la gran cantidad de encargos que recibió. Muchos autores lo consideran la causa inicial de la renovación de la pintura. Puede así decirse que asegura la transición entre dos épocas y dos maneras de ver. Fue pionero del naturalismo. 

La obra que utilizó mi compañera fue el Crucifijo Arezzo, en concreto una imagen de la parte de la izquierda de la obra:

Cricifijo Arezzo. Imagen recuperada de: https://www.pinterest.es/pin/247557310746773750/

Bridget Riley (nació en 1931) es un pintora inglesa reconocida por sus aportaciones al movimiento artístico Op Art (arte óptico). Sus obras se basan en las ilusiones ópticas. En muchas de ellas utilizado el blanco y negro, adaptándose a formas simples como cuadros, líneas óvalos. A comienzo de los 70 comienza a utilizar colores y otras formas geométricas. 

Mi compañera eligió la obra "Current": 

Current. Imagen recuperado de: http://dada.compart-bremen.de/item/artwork/412

FRANS HALS Y FRANK STELLA

Frans Hals (1583-1667) es uno de los grandes maestros de la Edad de Oro Holandesa. Su estilo es casual y animado en comparación con sus contemporáneos. Es especialmente famoso por sus retratos y sus obras de la milicia cívica holandesa. Pintó retratos colectivos, individuales y escenas de la vida cotidiana. Se atrevió a ser diferente plasmando en sus obras personajes que parecen estar en movimiento. 

La obra elegida por mi compañera fue el Retrato de boda de Isaac Massa y Beatrix van der Laen:

Retrato de boda de Isaac Massa y Beatrix van der Laen. Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_boda_de_Isaac_Massa_y_Beatrix_van_der_Laen

Frank Stella (nace en 1936) es un pintor y escultor noreatmericano que perteneció a los artistas que formaron el ambiente abstracto surgido tras la II Guerra Mundial. es uno de los principales representantes del Op Art junto con Josef Albers. Hasta los años 1975 conduce la vanguardia americana hacia el Minimalismo y se concentra en la relación forma-color. A partir de este año su trabajo se vuelve más libre y el artista comienza a realizar obras en relieve. 

La obra que eligió mi compañera fue Referendum 70:

Referendum 70. Imagen recuperada de: https://clarkfineart.com/artists/post-war-contemporary/frank-stella/referendum-70/

GUSTAVE COURBET Y GUSTAVE KLIMT

Gustave Courbet (1819-1877) fue un pintor francés. Se hartó de tanta afectación romántica y junto con otros jóvenes artistas ayudó a crear el realismo. Su arte fue uno de los más originales, talentosos e interesantes del arte decimónico francés previo a la revolución impresionista. En sus primeras obras plasma paisajes y retratos con un toque romántico pero a partir de 1849 se convierte al realismo. Se dice que era arrogante y provocador: "si dejo de escandalizar dejo de existir".

Mi compañero eligió la obra titulada "El origen del mundo". Me parece muy acertada porque muestra lo que realmente fue este autor. Es la primer obra que muestra la anatomía femenina de forma realista y no idílica:

El origen del Mundo. Imagen recuperada de: https://historia-arte.com/artistas/gustave-courbet

Gustave Klimt (1862-1918) fue un pintor simbolista austriaco. Representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que muchos lo consideren dentro del simbolismo. Crea un lenguaje propio de símbolos. Lo más llamativo de sus obras es la continua presencia de lo femenino, representando lo enigmático. La sexualidad y el erotismo artístico fueron sus elementos claves. Se hizo famoso tras fracasar con dos obras, con el cuadro de "El beso". Obra que indudablemente ha elegido mi compañero:

El beso. Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/El_beso_(Gustav_Klimt)

HANS HOLBEIN EL JOVEN Y HENRI ROSSEAU

Hans Holbein "el joven" (1497-1543) fue un artista e impresor alemán que se enmarca en el estilo del Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista. Se le denomina "el joven" para diferenciarlo de su padre Hans Holbein "el viejo", un dotado pintor de la escuela gótica tardía.

La obra elegida por mi compañero es "los embajadores". Un cuadro digno de admirar por la gran delicadeza a la hora de pintar las diferentes texturas: 

Los embajadores. Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Los_embajadores

Hanri Rousseau (1844-1910) fue un célebre pintor francés. Es uno de los grandes representantes del arte naif. Esta corriente artística está caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, los colores brillantes y contrastados y la interpretación libre de la perspectiva llegando en ocasiones a la ausencia de ella. Además, tiene una sensibilidad infantil. En sus obras destaca el tono poético y ese arte naif. 

La obra seleccionada por mi compañero es "La gitana dormida":

La gitana dormida. Imagen recuperada de: https://es.wikipedia.org/wiki/La_gitana_dormida

OBRAS DE FRANCIS BACON, DAVID HOCKNEY, DAN FLAVIN Y CHRISTO

¡! HOLA ¡!

Vengo a contaros una nueva actividad que estamos realizando en clase. Os dije que cada alumno teníamos asignado dos artísticas los cuales teníamos que exponer a nuestros compañeros. Bien, nuestro profesor nos ha propuesto analizar obras de estos artísticas para aprender a analizar obras de arte. En esta entrada os hablo de algunas obras que en la anterior clase teórica explicaron mis compañeros. Son de lo más interesante.

RETRARO DEL PAPA INOCENCIO X à FRANCIS BACON

Francis Bacon fue un pintor barroco figurativo caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y la gran ambigüedad en el plano intencional. Uno de sus grande influyentes fue Velázquez. La obra que nos presentó mi compañera era una reinterpretación de un cuadro de Velázquez: El Retrato del Papa Inocencio X. A continuación, os dejo ambos cuadros:

Retrato de Velázquez a la izquierda y retrato de Bacon a la derecha. Recuperado de: https://culturexchange2.wordpress.com/2013/01/24/unas-miradas-cruzadas-entre-diego-velazquez-y-francis-bacon-sobre-el-retrato-de-inocencio-x-ilusion-y-sensacion/

El cuadro de Bacon está realizado utilizando la técnica del óleo sobre lienzo. Bacon suele poner énfasis en los rostros de sus sujetos, y en esta obra se aprecia claramente. La imagen que plasma sugiere que el Papa se encuentra sentado en una silla eléctrica. Las líneas verticales y diagonales señalan el transcurso de la corriente alrededor del cuerpo. La forma endemoniada con la que representa al papa lleva a una dimensión oscura y demoníaca. Se supone que lo plasma así para realizar una crítica al encubrimiento de delitos llevados a cabo por la iglesia a lo largo de la historia. 

 EL GRAN CHAPUZÓN à DAVID HOCKNEY

Hockey (nació en 1937 y continúa vivo en la actualidad) es un pintor proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés. Es un gran contribuyente al movimiento Pop Art de la década de los 60, siendo uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. El movimiento Pop Art está inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo del siglo XX. Reflejan la realidad.

La obra de la que os voy a hablar se llama “El gran Chapuzón”. Pertenece a su colección de pinturas de piscinas. Está muy relacionado con el Pop Art: las piscinas es algo cotidiano. 

El gran chapuzón. Recuperado de: http://artequinvina.cl/un-gran-chapuzon/

Es una de las obras más representativas y famosas del autor. Nos sitúa al borde de una piscina, captando el momento exacto en el que un personaje al que no emos se lanza al agua dando lugar a un gran chapuzón, rompiendo momentáneamente con la calma. Es una imagen muy lograda en la podemos apreciar prácticamente hasta el sonido del chapuzón. Está creada con un estilo ingenuo y colorista. Está formada por bloques planos de colores. 

PINK OUT OF A CORNER à DAN FLAVIN.

Dan Flavin (1933-1996) fue un artista conceptual de la segunda mitad del siglo XX que se desarrolló en la corriente minimalista. Es piones en la utilización de luces fluorescentes como instrumentos artísticos. La obra que os presento se denomina Pink out of a Corner.

Pink out of a corner. Recuperada de: https://www.pinterest.com/pin/763289836815391464/

En la imagen podemos ver una luz fluorescente colocada en la esquina. La coloca en este lugar para que se refleje en el suelo, techo y paredes. Ilumina así toda la sala y relaciona todos lo lugares. Está muy en línea con el minimalismo: utiliza colores simples e intenta incrementar la participación del autor para convertir las obras en conocimiento. El mismo autor declara que sus obras son lo que son y que no tienen ninguna otra intención. Con esto quería que las personas que la vieran reflexionaran.

THE UMBRELLAS à CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE.

Christo nació en 1935. No se puede hablar d este autor sin mencionar a su mujer Jeanne-Claude. Nació el mismo día y el mismo año que Christo. Juntos realizaron numerosas obras artísticas. Se caracterizan principalmente por la corriente del Land Art y por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

En un principio podemos pensar que el autor no se lucra con sus obras porque las realiza al aire libre y sin tener que pagar para verlas. Sin embargo, realiza fotografías que luego se encuentran en grandes museos y son compradas por gran cantidad de dinero. Destacar también, que las obras no permanecían para siempre sino que, después de un tiempo, se retiraban.

La obra de la que os voy a hablar se denomina “The Umbrellas”:

The umbrellas. Recuperada de: http://www.victoria4edit.com/blog/christo-and-the-umbrellas-%E2%80%93-triumph-and-tragedy-in-a-world-of-umbrellas/

Esta obra consistía en colocar sombrillas azules y amarillas en California, Ibakari y Japón al mismo tiempo. El color dependía del paisaje de la zona. Fue una obra muy famosa. Su intención era unir estos dos países a través de las sombrillas. Costó gran cantidad de dinero y murieron dos obreros durante su construcción. 

RICHARD LONG Y ROGIER VAN DER WEYDEN 

¡HOLA DE NUEVO!

Como ya os he comentado, en las clases teóricas, una de las tareas que realizamos los alumnos son exposiciones acerca de artistas.

Esta semana pasada, mis compañeros han hablado de Richard Long y Rogier Van der Weyden. A continuación, os hablo brevemente de ellos.

RICHARD LONG

Long nació en Bristol, el 2 de junio de 1945 y continúa vivo en el actualidad. Es un escultor, pintor y fotógrafo inglés. Está considerado como uno de los artistas británicos más conocidos en relación con la corriente Land Art. En esta corriente el paisaje y la obra están muy relacionados. Utiliza la naturaleza como material para representar la misma. Algunas de sus obras son:

  South bank circle. Recuperado de: https://www.tate.org.uk/art/artworks/long-south-bank-circle-t07159

A line made by walkking.  Recuperado de:https://www.standard.co.uk/arts/take-a-walk-on-the-tame-side-with-richard-long-7414883.html 

 ROGIER VAN DER WEYDEN

Se conoce también como Rogier de la Pasture. Nació hacia 1399/1400 y murió el 13 de junio de 1964 en Bruselas. Fue un pintor que gozó de bastante prestigio en su época y uno de los más influyentes. Ninguna de sus obras está firmada por él ni existen documentos sobre sus contratos. Destaca por pintar utilizando la técnica del óleo y por la cantidad de detalles menudos de sus obras.  Algunas de sus obras son:

El descendimiento. Recuperado de: https://www.researchgate.net/figure/Rogier-van-der-Weyden-El-Descendimiento-c-1435-Oil-on-oak-panel-220-262-cm-Museo_fig1_274704884

Retrato de una dama. Recuperado de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rogier_van_der_Weyden_-_Portrait_of_a_Woman_with_a_Winged_Bonnet_-_Google_Art_Project.jpg

“TU MIRADA PUEDE TRANSFORMAR A LAS PERSONAS”- ÁLEX ROVIRA.

En esta ocasión os vengo a hablar de una charla de Álex Rovira.

Álex Rovira se define como divulgador y pedagogo más que escritor. En este interesante vídeo nos habla de varios asuntos. He decido centrarme en los relacionados con educación.

Menciona la relación que cree que existe entre corazón-educación. Cómo es necesario educar desde el corazón, desde el afecto, y no sólo en las aulas sino también en el hogar. Todos necesitamos lo que él denomina mirada apreciativa, esa mirada que nos da oportunidades, que nos deja volar, necesaria para nuestro desarrollo como personas y nuestro avance como humanidad. La mirada que tengamos hacia una determinada persona condiciona enormemente sus resultados y actuaciones. Hay que tener muy en cuenta esto.

“Pueden porque creen que pueden”. Virgilio. 

Por otro lado, aparece la importancia de las historias, de los cuentos. Hoy en día está claro que las historias son imprescindibles para los niños. Pero… ¿Sabéis por qué? Me parece que Álex Rovira lo explica a la perfección: las historias ayudan a construir imágenes mentales de esos cuentos que nos pueden ayudar en nuestra vida. Además, es un recurso muy imporatante para esa imagen que tenemos de nuestra vida, del mundo, de la vida del vecino etc. En numerosas ocasiones podemos encontrar paralelismos entre esas historias y nuestra vida. Podemos recurrir para solucionar problemas.

En relación con esto, existe un gran problema en la actualidad: ¿cómo fomentar la lectura en las personas? Álex Rovira da en el clavo: la pasión y el entusiasmo se contagia. La mejor manera de motivar a leer es predicando con el ejemplo, que vean que tú también lees. Colocar a los libros en el mayor número de situaciones que se pueda. Hablar de libros, normalizar esta conversación y su uso. 

Y, una cuestión muy importante: disponibilidad. Que los niños vean que tienen libros a su disposición.

Finalmente, aparece le tema de la memoria. En la actualidad hay personas que consideran que la memoria está dejando de tener sentido en un mundo en el que tenemos acceso inmediato a gran cantidad de información gracias a la tecnología. Sin embargo, es necesario para muchas cosas. Algo muy importante: para que determinadas situaciones no se repitan. Para recordar aquello que nos hizo feliz, la película que queremos recomendar… Es una pieza más del proceso de humanización. Es importante la memoria cognitiva, emocional y que estas sean críticas para evitar manipulaciones. Como dice Álex Rovira: “sin ella no somos nada”.

Con todo esto lo que se busca es evitar la manipulación. Tanto la educación, como los libros, la memoria, nos ayudan a desarrollar nuestro espíritu crítico.

Os animo a ver el vídeo completo, merece la pena. Es una fuente de aprendizaje impresionante.

EXPOSICIONES DE CLASE

¡¡HOLA DE NUEVO!!

Mis clases de Expresión Artística de la Universidad están compuestas de dos partes: una clase teórica y otra práctica. En la parte plástica vamos haciendo los dibujos que voy colgando. Pero... ¿En la parte teórica que hacéis? Os preguntaréis.

Bien, en las dos horas teóricas hacemos varias cosas. En algunas el profesor explica contenidos, pero en otras... ¡SOMOS NOSOTROS QUIEN EXPLICA!! Os aclararé esto: el profesor ha propuesto dos tareas: investigar a dos autores que nos ha seleccionado e interpretar una obra de cada uno de estos autores. Estas tareas las exponemos al resto de la clase el día que nos otorgue nuestro profesor. De esta manera aprendemos a comunicar información, a quitarnos la  vergüenza y sobre todo nos ponemos en el papel de profesor (Es lo que vamos a ser en un futuro).

Los artísticas que nos ha seleccionado el profesor corresponden a distintas épocas y corrientes de manera que nos ayuda a que conozcamos todas ellas.

Los autores que me llamen la atención los iré poniendo por aquí.

En la última clase apareció uno que, si no es mi favorito, casi lo es. Es el gran Banksy: un artística británico conocido por no dar a conocer nunca su identidad y por sus grafitis. Me encanta cómo a través de lo que en un principio está prohibido y mal visto: un grafiti, puede llegar a crear una obra de arte y además teniendo un sentido muy importante.

Os dejo alguna de sus obras más importantes, seguro que muchas de ellas os suenan:

 

Bansky es uno de los pioneros en utilizar las plantillas. Los grafitis están prohibidos, por lo tanto, no podía tardar mucho tiempo en pintarlos porque sino llegaría la policía. Lo que decidió entonces fue utilizar plantillas: llegaba al lugar, la colocaba sobre la pared y rápidamente estaba terminado.

Está influido por el movimiento. Ad Jammmers, basado en deformar imágenes publicitarias transformando el mensaje original de las mismas.

Sin embargo, la gran influencia del artista ha sido Blek le Rat, un grafitero parisino de los años 80. De él tomó la técnica de la plantilla y el aerosol.

Os dejo una noticia sobre él que en los últimos meses ha sido muy viral:

https://cnnespanol.cnn.com/video/mira-como-la-pintura-de-1-4-millones-de-dolares-de-banksy-se-autodestruye-natpk-orig/